Когда речь заходит о сатире в «Звездном десанте» Верховена, я придерживаюсь двойственной позиции. С одной стороны, сатира там, конечно, есть: впервые увидев полковника разведки в кожаном плаще СС, я чуть не укатился под стол со смеху. Она подается нарочито в лоб и не заметить ее невозможно. Другое дело, что это неумелая сатира, которая, на самом деле, ничего не высмеивает.
Зачастую Федерацию из фильма описывают как тоталитарное государство с нулем свобод, индоктринацией населения и одним-единственным возможным жизненным путем прямиком в армию. Короче, гроб, гроб, кладбище, Гитлер — не дай Бог жить в таком государстве. И даже, возможно, что по канону Верховена Федерация такой и является. Вот только при просмотре фильма считываются совершенно другие смыслы.
Первым в глаза бросается то, что в милитаристском тоталитарном государстве нет обязательной военной службы. И это уже смешно само по себе, особенно для людей из постсоветских стран, где кошение от срочки является национальным видом спорта. В Федерации, если тебе не по душе военщина, ты говоришь: «Не, чо-то не хочу» — и просто не идешь служить. А даже если и пошел, но вдруг внезапно передумал, то ты в любой момент можешь сказать: «Не, чо-то надоело» — и демобилизоваться. И один этот концепт очень сильно бьет по тоталитарности космического Мордора.
Но окей, у милитаристского тоталитарного государства есть и другие способы подпитывать военную машину. Например, можно поражать в правах тех, кто не служил, делать их жизнь невыносимой, чтобы у граждан был выбор между армией и ничтожным существованием. И, возможно, где-то за кадром так и есть. Опять же, возможно, что по канону Верховена не служить значит влачить жалкое существование. Вот только фильм еще в прологе показывает родителей главного героя Рико, которые как раз таки не служили. И если поражение в правах выглядит вот так, то поразите и меня, пожалуйста.
Это состоятельные люди, живущие чуть ли не в частном особняке с прекрасной гражданской карьерой. После окончания учебы они предлагают своему сыну полететь на дорогой курорт на другой планете. А потом, отдохнув как следует, Рико сможет пойти по стопам отца, отучившись в Гарварде. По сути, единственное, что потерял бы Рико, откажись он от службы, — возможность голосовать. И, что иронично, такое ограничение — мечта миллионов антифашистов, требующих отправить на войны развязавших их политиков.
Но окей, даже со всеми этими странностями режим Федерации все еще может быть милитаристским и тоталитарным. Пропаганда и индоктринация — вот наш тоталитарно-фашистский ответ на все проблемы. Вот только снова фильм показывает, что пропаганда, как и пропагандисты в фильме, достаточно беззубые. Рупором режима в фильме является учитель, а потом — лейтенант Расчек. В начале фильма он рассказывает ученикам базовые вещи, на которых зиждется их государство, по сути, это урок обществознания, каким он должен быть. Призывов вступать в армию там нет и в помине. Более того, в следующей сцене разговора с отцом Рико прямо говорит, что Расчек скорее отговаривает детишек от военной карьеры. А когда Рико, подогретый эмоциями и заряженный мотивацией, задает Расчеку прямой вопрос, идти ли ему в десант, последний отвечает: «Реши сам, чего ты хочешь». Я, возможно, чего-то не понимаю, но, на мой взгляд, пропаганда и индоктринация должны выглядеть по-другому.
Да и в целом сам уклад жизни на Земле ни разу не милитаристский и не тоталитарный. Гражданка Федерации показана полной веселья и лишенной забот. Наслушавшись перед просмотром рассказов о жестоком режиме и фирменной сатире Верховена, я ожидал увидеть уныние и серость, хождение по линеечке, подгонку всех под один стандарт. Ну, знаете, те вещи, которые свойственны тоталитарным режимам. Но внезапно фильм начал меня закидывать одним ярким эпизодом за другим, что напротив создавало у меня ощущение свободы и бесконечного праздника.
Но даже военное бытие в фильме не показано бесчеловечным. Если бы я хотел высмеять военную машину, то в эпизоде со смертью солдата на учениях, показал бы безразличие к погибшему. Мол, «Чо замерли?! Команды прекращать не было! Выполнять боевую задачу!» В фильме же Верховена смерть бойца показана как самая настоящая трагедия, причем вообще для всех сторон. И для Рико, из-за приказа которого и погиб его побратим, и для сделавшей летальный выстрел десантницы, и для командования. Вот чего-чего в этой сцене нет, так это безразличия к жизни и судьбе бойцов.
И отдельно хочется заметить, что все командование в фильме неиронично вызывает уважение за свои человеческие качества. Снова же, наслушавшись рассказов про верховенскую сатиру, я ожидал увидеть в фильме военных-дуболомов, лишенных чести и прочих добродетелей. В общем, типичное такое офицерье из книжек Ремарка, которые муштруют солдат, наслаждаются своей властью, но сами на передок ни ногой. В «Звездном десанте» же военный инструктор сам просится с теплого местечка в окоп, и его командиру приходится угрожать понижением по службе, чтобы остудить пыл добровольца. Или взять маршала, который после поражения на Клендате берет на себя всю ответсвенность за трагедию, признает свою некомпетентность и подает в отставку. Вы, извините, где вообще такое видели и в каком месте это сатира?
Еще часто Федерацию упрекают в том, что она отправляет на фронт детей. Действительно, звучит это ужасно. Вот только в фильме это воспринимается совсем иначе, чем на словах. Сцена с прибытием шкетов на фронт показана после серии тяжелых битв, где Земля несет большие потери. В одной из них даже гибнет возлюбленная Рико. Да и сам Рико, глядя на подкрепление ясно выражает свое недовольство, что показывает нетипичность этой практики. И в таком контексте это уже не сцена из «Кролика Джо-Джо», где детишкам крепят взрывчатку на спину и отправляют «обнять дядю». Это демонстрация критичности положения и высоты ставок. И, конечно, считать, что ребенок на фронте в тяжелой экзистенциальной войне на уничтожение — это сатира, вам никто не запретит. Я просто посоветую посмотреть еще один отличный сатирический фильм — «Иди и смотри» называется.
И да, у Федерации есть свои преколы: телесные наказания, контроль рождаемости и суд с казнью в один день, да еще и с трансляцией этого на всю страну по телеку (правда, обстоятельства дела неизвестны). Но этого просто мало, чтобы создать образ злого зла, а некоторые мастодонты свободомыслия и человеколюбия даже оправдывают некоторые из этих практик (да, Лев Николаевич Толстой, я на вас смотрю). И получается очень смешная ситуация, когда герои фильма разряжены в форму от «Hugo Boss», но при этом ничего плохого не делают. Собственно, когда «Звездный десант» только вышел, Верховену очень часто прилетало за оправдание фашизма, потому что литерали нацисты в его фильме воспринимаются хорошими ребятами.
И тут на помощь приходит царь-аргумент, фанатская теория, что Федерация сама нанесла удар по своей территории, спровоцировав конфликт. Действительно, это людоедство таких масштабов, что симпатизировать Земле становится просто невозможно. Но и с ним не все гладко.
Термин «фанатская теория» уже много говорит сам по себе. Читать о том, как Федерация бомбила ̶В̶о̶р̶о̶н̶е̶ж̶ Буэнос-Айрес увлекательно, как и любую конспирологию о том, что 9/11 было устроено спецслужбами США, но к реальному положению дел ни то ни другое отношения не имеет (ну, ладно, с 9/11 все же спорно). В фильме нет ни одного прямого указания на то, что человечество само повинно в трагедии, все строится на недомолвках и намеках. А многие из них еще и объясняются банальной жанровой принадлежностью.
Да, в «Звездном десанте» не показано расследование последствий от удара астероида, а виновного назначают не отходя от кассы. Но мы говорим о фильме, где Рико устраивает родео на спине жука, высаживая в него всю обойму, а после кормит гранатой и целехонький наслаждается дождиком из хитина. От демонстрации скучных административных процедур зритель просто бы уснул. Это условность, такая же как и то, что в фильмах с Шварценеггером у протагониста не кончаются патроны. Ты просто о ней не думаешь. И это нормально.
Но окей, давайте допустим, что Федерация действительно сама подстроила падение астероида, умышленно проигнорируем все жанровые штампы и будем считать, что монтаж намерено показывает людей милитаристами, а не просто вырезает душные моменты. Все это автоматически повышает требования к реалистичности фильма до заоблачных, в нем просто не остается места для условностей, так как все они становятся топливом для нашей теории. «Звездный десант» превращается, по сути, в политический триллер. И такому фильму уже будут непростительны те вещи, на которые зритель мог закрыть глаза в летнем боевичке.
Например, сцена с кастрацией царь-жука окажется неимоверным идиотизмом. Раса, способная организовать грамотную оборону целой планеты не в состоянии оценить угрозу, исходящую от пленных, и подвергает опасности самое ценное, что у них есть. Очень достоверно, верю. Как и верю в то, что до этого ни один вояка, которому выпивали мозг, не додумался махнуть кортиком. Верю безоговорочно. Как и верю в то, что экипаж корабля не замечал тот самый треклятый астероид до тех пор, пока не вошел в его гравитационное поле (Оффтоп: на самом деле эта сцена пипец комична. Ребятки что-то там анализируют в своих компьютерах, показатели сверяют, выясняют, в чем дело, а тем временем за окном в них летит гигантская каменюка). И еще во много чего, конечно же, верю.
И получается, что у зрителя есть два стула. Либо он принимает теорию о самобомбежке, и фильм начинает рушиться под ее весом, вскрывая одну логическую дыру за другой, и превращаясь в нелогичное и непоследовательное кинцо, которое не вытягивает собственных амбиций. Либо же он принимает, что «Звездный десант» — красочный, но бестолковый экшончик, куда подобная теория заговора просто не вписывается.
И на случай, если зритель сядет на второй стул, в фильме есть эпизод с прямым указанием на виновника бомбардировки. Причем указание это исходит не от пропагандиста, политика или еще какого-то заинтересованного лица. Оно исходит от пилота, который после столкновения астероида с кораблем просто констатирует, что камень прилетел из жучиного сектора. И лично я не вижу причин копать глубже, за исключением желания размять себе мозг, так как фильм сам себя позиционирует прямолинейным боевиком.
Вся история со «Звездным десантом», Верховеном и его высмеиванием первоисточника Хайнлайна напоминает мне нашкодившего школьника. Верховен снял и правда хороший ненапряжный военный фильм. Но, блин, ̶р̶о̶д̶а̶к̶и̶ Хайнлайн ваще тупой, блин, и ничего не понимает, блин! Поэтому всем на зло я разрисую свое кино свастиками!
В итоге получился хороший ненапряжный военный фильм, но со свастиками. Насколько это делает его хорошей сатирой — решайте сами. На мой взгляд, не очень.
Автор текста: Алексей Петров. Написано специально для CatGeek и читателей Pikabu.
Как «Дракула» с Бэлой Лугоши навсегда изменил лицо ужасов
В истории кинематографа есть несколько поворотных моментов, когда фильм становится не просто развлечением, а культурным феноменом, определяющим жанр на десятилетия вперед. Таким моментом для хоррора стал выход 14 февраля 1931 года картины Тода Браунинга «Дракула». Это был не просто первый звуковой фильм о вампире от студии Universal, это было рождение иконы, чей образ, манера говорить и гипнотический взгляд стали эталоном, от которого до сих пор невозможно избавиться. За этим успехом стоит история почти столь же драматичная, как и сам сюжет о графе-вампире: история неудач, случайностей и гениального кастинга.
Литературные и театральные корни
Брэм Стокер
Прежде чем стать киногероем, Дракула прошел долгий путь. Роман Брэма Стокера, опубликованный в 1897 году, хотя и стал успешным, не был сенсацией. Стокер, умерший в нищете и безумии от сифилиса в 1912 году, так и не узнал, какого монстра он породил. Первые попытки перенести историю на экран были вольными: венгерский немой фильм «Смерть Дракулы» (1921), ныне утерянный, и, что важнее, шедевр немецкого экспрессионизма «Носферату. Симфония ужаса» (1922) Ф.В. Мурнау. Мурнау, не сумев получить права, создал свою версию, заменив имена, но сохранив суть. Стокеры подали в суд, и большинство копий были уничтожены, но фильм чудом уцелел.
Драматург Джон Балдерстон
Настоящий прорыв случился на театральных подмостках. Английский продюсер Гамильтон Дин адаптировал громоздкий эпистолярный роман для сцены. Его постановка, хоть и раскритикованная, очень нравилась зрителю. Успех был столь велик, что права на бродвейскую версию выкупил американский продюсер Хорас Ливрайт. Для Бродвея пьесу существенно переработал Джон Л. Балдерстон, сделав историю динамичнее и современнее. И вот тут появляется ключевая фигура.
Человек-загадка: Бэла Лугоши
Молодой Бэл
На роль графа Дракулы был приглашен 44-летний венгерский эмигрант Бэла Лугоши. Настоящее имя актера — Бела Ференц Дежё Блашко. Он сменил фамилию на Лугоши (от названия родного города Лугож) и, имея за плечами опыт игры в европейских театрах, перебрался в США, спасаясь от политических потрясений. Его английский был далек от совершенства — он заучивал текст фонетически. Но именно это, в сочетании с его аристократической внешностью, гипнотическими глазами и невероятной сценической харизмой, создало идеальный образ загадочного иностранца-аристократа.
Бродвейский «Дракула» с Лугоши в главной роли стал триумфом, выдержав 261 представление. Успех не остался незамеченным для студии Universal, которая как раз искала новый хит. В мае 1930 года студия за 40 000 долларов выкупила и кино-, и театральные права.
Кто мог сыграть Дракулу?
Конрад Файдт
Изначально у Universal были совсем другие планы. Режиссером видели Пола Лени, гения немецкого экспрессионизма, снявшего «Человека, который смеется». А на главную роль прочили Конрада Файдта, звезду «Кабинета доктора Калигари», чье трагическое амплуа и пронзительный взгляд идеально подходили для роли вампира. Однако Лени трагически погиб, а Файдт предпочел остаться в Германии (позже он, спасаясь от нацистов, все же уедет).
Еще одним фаворитом был «человек с тысячью лиц» Лон Чейни-старший, давний товарищ Тода Браунинга. Их тандем породил такие шедевры немого кино, как «Неизвестный» и «Лондон после полуночи». Но Чейни умер от рака легких в августе 1930 года, буквально через дни после покупки прав Universal. Как ни парадоксально, это была счастливая случайность для образа Дракулы. Гений Чейни был в мастерском использовании грима, просто пугающих отражениях физической трансформации, ему нужны были уродство и боль. Дракула же Браунинга и Лугоши – другой. Он про обаяние, сексуальность, гипноз. Грим Чейни мог бы скрыть именно те черты, которые сделали Лугоши иконой.
В итоге, на фоне Великой депрессии, когда актеры соглашались на любую работу, Лугоши, отчаянно нуждавшийся в деньгах, был нанят за смехотворную сумму в 3500 долларов единовременно. Он даже не подозревал, что эта роль станет для него и величайшим благословением, и пожизненным проклятием.
Тод Браунинг и робкое звуковое кино
Тод Браунинг
Выбор Тода Браунинга на роль режиссера был логичен. Он был мастером мрачного и гротескного. Однако Браунинг был «рыцарем немого кино». Звук, появившийся всего за несколько лет до этого, сковывал его. Съемки «Дракулы» проходили в атмосфере творческого хаоса. По воспоминаниям съемочной группы, Браунинг часто отстранялся, и реальное руководство на площадке брал на себя гениальный оператор Карл Фройнд, ранее работавший с Мурнау.
Именно эта «неуверенность» в звуке породила одну из ключевых особенностей фильма — его оглушительную тишину. В картине почти нет фоновой музыки (не считая вставок из классики на титрах), диалоги скупы, а паузы затянуты. Для современного зрителя это может показаться недостатком, но именно эта тишина, нарушаемая лишь шорохом летучих мышей и размеренным, нарочито медленным голосом Лугоши, создает неповторимую давящую, сюрреалистическую атмосферу. Акцент Лугоши, который студия могла счесть помехой, стал его визитной карточкой. Фраза «I am... Dracula» или «Listen to them... children of the night... what music they make», произнесенная с его неповторимым венгерским тембром, вошла в историю.
Магия первых кадров: от деревни к замку
Фильм открывается сценами в трансильванской деревне и замке Дракулы — и это его сильнейшая часть. Здесь наследие немецкого экспрессионизма и талант Фройнда проявляются в полной мере. Мрачные, залитые тенями декорации, гигантские паутины, опушки из картонной папье-маше и три зловещих гроба в склепе. Камера медленно скользит по подвалу, и мы видим, как крышка одного из гробов приоткрывается, и оттуда появляется рука. Это один из самых запоминающихся кадров в истории ужасов.
Затем появляется он — Лугоши. Он спускается по огромной лестнице замка в полной тишине, и его появление встречает Ренфилд (блестящий Дуайт Фрай). «Я… Дракула. Я… приветствую вас в моём доме.» — говорит он, и с этого момента экран принадлежит ему. Каждое движение отточенно, взгляд пронзителен. Он не монстр, он — хозяин положения, аристократ, в чьих жилах течёт кровь сотен поколений… и не только его собственная.
Итак, фильм был запущен в производство на волне случайностей, с режиссером, не уверенным в новом технологическом укладе, и актером, нанятым почти из милости. Но магия, рожденная из этого хаоса, уже начала менять кинематограф. Однако за кадром осталась не менее увлекательная история: испаноязычный дубль, ставший культовым, судьбы актеров, снимавшихся в картине, и вечное проклятие Лугоши, навсегда оставшегося заложником роли графа-вампира.
«Дракула» по-испански
Одной из самых малоизвестных, но невероятно интересных страниц в истории фильма является существование его испаноязычной версии. В эпоху раннего звукового кино технология дублирования ещё не была развита, и для захвата международного рынка (особенно латиноамериканского и испанского) студии практиковали съёмки отдельных версий на других языках с другими актёрами и съёмочными группами.
Пока днём на студии Universal работала команда Тода Браунинга, ночью те же декорации занимала испаноязычная труппа под руководством режиссёра Джорджа Мелфорда. У них был один огромный плюс: они могли смотреть «утренние материалы» (ежедневные отснятые сцены) версии Браунинга и анализировать их. У них не было ни звезды уровня Лугоши, ни режиссёрского авторитета Браунинга, но была возможность учиться на чужих ошибках и искать более изящные решения.
В результате испаноязычный «Дракула» (также известный как «Drácula») часто считается технически более совершенным фильмом. Карлос Вильярьяс в роли Дракулы, конечно, не обладал магией Лугоши, но он был более динамичным и естественным, агрессивным, жестоким. Камера в его версии была более подвижна, монтаж — острее, а некоторые сцены (например, первая встреча Дракулы и Евы/Миньоны в исполнении очаровательной Лупиты Товар) были более откровенными и чувственными, чему способствовало отсутствие жёсткого Производственного кодекса Хейса, который ввели позже.
Однако, несмотря на все кинематографические достоинства, у испанской версии не было главного — Бэлы Лугоши. Его харизма, голос и манера держаться оказались тем уникальным алхимическим ингредиентом, который невозможно было повторить. Испанский «Дракула» — это блестяще снятый фильм, но именно версия Браунинга стала культурным артефактом.
Судьбы актёров. Проклятие вампира
Многие из участников съёмок считали «Дракулу» рядовой работой и боялись, что образы вампиров и сумасшедших навсегда прилепятся к ним, испортив карьеру. Их опасения, увы, часто сбывались, причём самым трагическим образом.
Бэла Лугоши стал самой известной жертвой своей роли. Он настолько отождествился с Дракулой в глазах публики и продюсеров, что серьёзные роли ему практически перестали предлагать. Он был обречён до конца дней бродить по малобюджетным фильмам ужасов в образе вампира, безумного учёного или колдуна. Его карьера пошла на спад, он пристрастился к морфию, который ему прописали после операции, и умер в относительной бедности в 1956 году. По иронии судьбы, его похоронили в том самом плаще Дракулы, в котором он снимался в 1931 году, исполнив его последнюю волю.
Хелен Чандлер (Мина) во время съёмок боролась с алкоголизмом и нервными срывами. Её опасения о том, что она навсегда останется «бледной девицей в трансе», частично сбылись. После череды неудачных браков, проблем с психическим здоровьем и несчастного случая, в котором она едва не сгорела заживо, её карьера заглохла. Она провела последние годы в полной безвестности.
Дэвид Мэннерс (Джон Харкер) — красавчик, игравший героя-любовника, оказался, пожалуй, самым прозорливым. Разочаровавшись в Голливуде, он ушёл из кино в 1936 году, занялся писательством и живописью и прожил долгую, счастливую и спокойную жизнь, избежав проклятия «Дракулы».
Дуайт Фрай (Ренфилд) — его неистовый, почти экспрессионистский образ сумасшедшего помощника Дракулы стал шедевром. Но, как и Лугоши, он оказался заложником этой роли. Студия видела в нём идеального психопата, и он снова и снова играл вариации Ренфилда в таких фильмах, как «Франкенштейн» (1931). Он умер от сердечного приступа в 44 года, так и не сумев сломать этот стереотип.
Наследие и влияние.
Логуши и Карлофф
«Фильм «Дракула» 1931 года оказал колоссальное влияние на массовую культуру, заложив основы для целой эпохи в истории киноужасов. Его оглушительный успех наряду с «Франкенштейном» открыл для студии Universal золотую жилу, положив начало Золотому веку классических монстров. На последующие два десятилетия Universal стала настоящим «домом» для легендарных персонажей, таких как Мумия, Человек-невидимка, Человек-волк и Существо из Чёрной лагуны. В рамках этой вселенной была создана целая мифология, где монстры даже пересекались друг с другом, как, например, в фильме «Франкенштейн встретил Человека-волка».
Бела Лугоши не просто сыграл роль, а создал настоящий канон вампира на десятилетия вперёд. Его аристократический образ с вечерним фраком, бархатным плащом, зачёсанными назад волосами с проседью и гипнотическим взглядом стал эталоном. Все последующие воплощения вампиров, от Кристофера Ли до Гэри Олдмена, так или иначе отталкивались от этой знаковой работы — либо следуя ей, либо намеренно её оспаривая.
Судьба самого фильма оказалась непростой: он многократно перевыпускался в прокат в 1930-40-е годы, и с каждым новым тиражем его заново цензурировали, вырезая «слишком жуткие» сцены ради соответствия ужесточавшемуся Производственному кодексу. В результате, например, была утрачена заключительная речь Ван Хельсинга, где он с ухмылкой заверял зрителей в реальности вампиров. К счастью, сегодня фильм восстановлен в своей оригинальной версии. Его вполне стоит посмотреть именно как объект культурного достояния.
Образ Дракулы в исполнении Лугоши стал настоящим мемом ещё до появления интернета, получив вечную жизнь в поп-культуре. Его бесчисленное количество раз пародировали в мультфильмах, цитировали в сериалах, а его силуэт превратился в универсальный символ ужаса. Даже сейчас, почти сто лет спустя, трудно представить себе Хэллоуин без кого-то в чёрном плаще, с накрашенным белым лицом и накладными клыками, что доказывает невероятную силу и долговечность этого культурного наследия.
Автор текста: Кирилл Латышев. Написано специально для CatGeek и читателей Pikabu.
В современных реалиях быть фанатом какой-либо франшизы настоящее испытание. Marvel после завершения «Саги Бесконечности» резко пошел вниз по наклонной, изредка выдавая что-то стоящее, DC мечется из крайности в крайность, над «Чужим» вдоволь поиздевался Ноа Хоули своим сериалом «Земля», «Форсаж» добил сам себя и так далее. У большинства из зрителей найдется то, за что ему больно.
«Хищнику» тоже изрядно досталось от киноделов (в 2018 ничего не происходило). Когда к работе над франшизой пригласили Дэна Трахтенберга, режиссера «Кловерфилд, 10», сплошного облегчения никто не испытал, но и резкого негатива не возникло. Все-таки он снял хоррор, который понравился широкому зрителю. Была надежда, что франшиза вернется к корням…
В 2022 году на Hulu релизнулась «Добыча». За рубежом ее встретили буквально с похвалами, тогда как в отечественном пространстве реакция была… ну… скажем деликатно: весьма жесткой. И дело заключалось не в том, что трава раньше была зеленее, а в том, что сценарист так и не сумел воспроизвести узнаваемую формулу франшизы — грозное существо охотится на людей. Вместо харизматичного и крутого персонажа зритель получил героиню с максимальным подростковым раздражающим поведением, вместо опасного инопланетного охотника — его крайне недалекая версия. А победа досталась человеческой особи только благодаря тому, что противник по мановению сценарной палочки просел в интеллекте. Но фильм все равно стал хитом, и Дэнчик получил полный карт-бланш.
Творческой свободой Трахтенберг распорядился неожиданно: сперва сделал относительно добротную анимационную антологию «Убийца убийц», а недавно выдал лайв-экшн «Планету смерти». Вместо того, чтобы делать прямое продолжение «Добычи», режиссер пошел во все тяжкие. Теперь в центре сюжета — щуплый яутжа по имени Дек. Он слабее собратьев и значительно меньше их, отчего отец, решает, что сыну пора перестать позорить клан, и приказывает старшому устранить младшого. Старшой не подчиняется и спасает Дека ценой собственной жизни, отправляя его на настоящую охоту, где тому предстоит доказать свое право называться полноценным яутжа.
Дэнчик снова заюзал семейную тему. Он выбрал путь наименьшего сопротивления, чтобы зритель точно проникся историей, а то никому же не будет интересно следить за тем, как Дек будет просто доказывать, что достоин быть частью клана. Ах да, без этого трудно было бы вставить намек на матриархат. Хе-хе.
Дальнейшее действие разворачивается в формате классического комедийного бадди-муви. После эталонного приземления суровый и молчаливый Дек сталкивается с болтливым и веселым синтетиком Тиа — ее играет великолепная Эль Фаннинг. По своему поведению и характеру она напомнила Осла из «Шрека». Неожиданная экранизация мультика, однако. Disney, кстати, заставила Дэнчика разыграть еще одну карту, силу которой раскрыл «Мандалорец». Через некоторое время к героям присоединяется инопланетный зверек, отвечающий за генерацию ми-ми-ми. Да, все верно, «Планета смерти» — солянка из продукции Disney, отдающая Marvel и «Звездными войнами».
По части экшна все неплохо. Местами видно, что буйство фантазии создателей выходили за бюджетные рамки, но ничего критичного, что хоть как-то напоминало бы поздний Marvel, на глаза не попадалось. Отсутствие роскошного экшна авторы нивелируют креативом — они стараются разнообразить происходящее на экране как любопытной хореографией, так и операторской работой. Не хотелось зевать во время драк. Финальная битва даже слегка перекликается с «Чужими». Интересно, это впечатление возникло только у меня? Пишите в комментариях.
Со сценарием ситуация сложнее. Дэнчику тяжело снимать кино, не жертвуя логикой ради красивых кадров, поэтому совсем нелепостей избежать не удалось. В целом «Планета смерти» выглядит сильнее «Добычи», но слабее первого «Хищника». Даже «Хищники» кажутся выигрышнее за счет более выразительных и запоминающихся персонажей. Повестка, любимая режиссером, в лице феминизма тоже никуда не делась. Из положительного — отход от формулы, которую киноделы совершенно не могут качественно воспроизвести. Но при этом у фильма есть важный провал — слабый вклад в расширение лора.
Для примера возьмем «Хищники». Вся история рассказана с точки зрения людей, но из фильма мы узнали: инопланетные охотники могут загонять жертв с помощью «собак»; кланы не просто соревнуются друг с другом, а натурально сходятся в битвах не на жизнь, а на смерть; есть специальные охотничьи угодья для проверки навыков. «Планета смерти» позволяет взглянуть на мир глазами яутжа. Что мы узнали? От слабых избавляются (тогда почему Дек дожил до своих лет?), после обряда инициации (охоты) охотника признают яутжа и вручают камуфляж; в клане царит матриархат (это было смешно). Почему бы мельком не показать быт и социальное устройство клана? Например, есть ли там обслуживающий персонал? Откуда берутся все эти технологичные финтифлюшки? Или даже настоящий яутжа с камуфляжем обязан драить туалеты? Даже «Черная пантера» лучше раскрыла Ваканду, чем «Хищник» яутжа. Если проще, то претензия такова: почему так мало, раз в центре истории инопланетный охотник?
Побрюзжал и хватит. Что можно сказать по итогу? «Планета смерти» представляет собой комедийный бадди-муви с атмосферой Marvel и «Звездных войнов», который максимально далек от мрачного «Хищника» и «Хищников». То, что сделал Дэнчик с франшизой, напоминало мне ситуацию с «Суперменом» Джеймса Ганна — в обоих случаях произошло «оказуаливание». Оба автора отказались от мрачности в пользу чиллового подросткового боевика с обилием графонистых экшн-сцен, периодически напоминающие мультики. Для олдскульных поклонников новый фильм окажется в большей степени разочарованием: некогда внушающий ужас Хищник теперь занят поиском признания и одобрения отца. Это заметно расходится с тем образом, который многие зрители привыкли видеть.
Если искать, кому эта картина способна прийтись по вкусу, то в первую очередь тем, кто был доволен «Добычей». Если тот проект пришелся по душе, новая работа Дэнчика зайдет без малейшего сопротивления. Зрителю, которому хочется чиллового боевика, — тоже вполне подойдет. А вот тем, кто вырос на классическом «Хищнике», лучше держаться подальше: от прежней суровости здесь не осталось и следа. Если же привязки к оригиналу нет, можно смело пробовать. Мне зашло, разок глянуть можно, но пересматривать не буду, все-таки первых три фильма (включая кроссовер), так никто и не переплюнул.
Автор текста: MrVolche. Написано специально для CatGeek и читателей Pikabu.
Некоторым произведениям нужно провалиться, чтобы стать культовыми спустя годы. Научно-фантастическому фильму ужасов «Сквозь горизонт» для этого хватило провала в кинотеатрах. Впоследствии, выйдя на набиравшем тогда обороты DVD, он обрёл невероятную популярность, которую по праву заслуживал.
У фильма не было шансов на успех в прокате: он вышел в неудачное время и был совершенно неправильно прорекламирован. А в ту эпоху официальная реклама была едва ли не единственным источником информации о картинах. «Сквозь горизонт» обогнал своё время — это внежанровое произведение, настолько мрачное, жестокое и пессимистичное, что не могло заинтересовать рядового зрителя. А «нерядовой» зритель даже не знал о его существовании.
Таким образом, «Сквозь горизонт» стал одной из самых серьёзных маркетинговых ошибок Paramount Pictures. Давайте начнём рассказ об этом фильме именно с этой провальной кампании, а затем перейдём к его содержанию, философско-религиозным подтекстам, внежанровости и влиянию на кинематограф.
Часть первая. Ошибка маркетинга
Говоря об ошибке маркетинга, следует отдавать себе отчёт, что мы сейчас говорим про 1997 год, и учитывать нужно специфику рекламы и продвижения фильма именно в те годы.
Визуальный посыл фильма был в рекламе крайне мощным
Самой важной частью рекламы был, конечно, трейлер. Именно тут авторы допустили самую страшную и самую непростительную ошибку. Фильм, который показывали в трейлере, и фильм, который увидел зритель, не имели практически ничего общего между собой. Трейлер показывал мощный, быстрый боевик в космосе, действие в котором наполнено взрывами, погонями, сражениями и храбростью.
В целом, трейлер вполне похож на совершенно типичный, не слишком выразительный боевичок конца 1990-х годов. И фанатов у такого жанра и такого фильма было бы немного, но вот проблема — как вы уже поняли, фильм был совершенно иным.
Критиков у фильма было множество, на IMDb сохранены «замечания» к фильму, написанные в 1998 году; если их прочитать — становится понятно, что фильм смотрели и «обозревали» именно те люди, которым его смотреть было совершенно не нужно. Среди рецензий, дошедших до наших дней, нет ни одной (!), рассматривавшей «Сквозь горизонт» как фильм постклассический, который не только должен напугать своего зрителя, но ещё и провести его через видение ада и ужаса самим автором. Для этого в фильм было добавлено множество очень серьёзных и не всегда легко различимых отсылок, немало символики; вполне можно даже говорить о том, что была серьёзная иконография. Например, символ глаз / водоворот / чёрная дыра повторяется по ходу фильма многократно, начиная с самых первых кадров.
Возможно, вас уже удивляет количество разных обложек
Все эти тонкости интересно рассматривать, выискивать и понимать тогда, когда ты точно знаешь — в фильме они есть и автор ведёт с нами сложную и аллюзивную беседу. Естественно, увидеть это никак нельзя в ситуации, если вы пришли смотреть на бодрый боевик в космосе. Тут нельзя судить зрителей или даже критиков, ведь их вели на совершенно иное кино, и они его очень активно критиковали именно за те косяки, которые были максимально релевантны для трейлерного посыла. Конечно, была ещё и позиция режиссёра, но он, хоть и сумел блеснуть своим вторым фильмом, всё ещё не имел невероятного статуса, который позволяет собственным именем продавливать любые проблемы. Даже Квентин Тарантино в те годы огребал от собственной популярности и невозможности давить «Квентиновостью» критиков и дистрибьюторов.
Более современный вариант рекламы
Сейчас, в наши годы, мы привыкли к хорошей киножурналистике от любителей и профессионалов; любой фильм имеет кучу обзоров под совершенно разные интересы и взгляды. Конец 1990-х людей ещё не избаловал. Единичные положительные рецензии на фильм сводились к тем немногим людям, которые хотели получить серьёзный хоррор, но даже они подчёркивали, что в фильме слишком много философии.
Ещё один вариант
Есть ли в реальном коммерческом провале фильма на широком экране хоть какая-то вина режиссёра? Нет, никакой. Ему в вину можно поставить лишь утрату вырезанных фрагментов и не более. Это классическая ошибка продвижения.
Удивительно, но именно то, что привело к провалу основного показа картины, — сделало её культовой, и это снова маркетинг! Только уже в 1998 году, когда фильм вышел не на кассетах, а на новом формате DVD.
Возможно, вы обратили внимание на то, что я привёл немало различных обложек для одного и того же фильма. Всё дело в том, что маркетологи смогли понять, что фильм на DVD хорошо продаёт… обложка! И этот фильм раз за разом продавали под новыми обложками, с новыми цитатами на них. Раз за разом. Режиссёр вспоминал, что его даже обвиняли в том, что он выпускает этот фильм под разными обложками, а он к этому никакого отношения не имел. Однако, нельзя сказать, что он не был доволен начавшимися продажами.
Часть вторая. Сюжетная
Напомню кратко сюжет всем читателям, чтобы мы дальше совершенно спокойно говорили о содержании произведения. Внимания, спойлеры далее повсеместно.
В 2047 году космос преподнес человечеству одну из самых мрачных загадок. Семилетняя тишина была нарушена: звездолет «Эвент Горизонт», бесследно исчезнувший во время своего первого полета к Проксиме Центавра, внезапно материализовался на орбите Нептуна. Его сигнал бедствия был просто чудовищен. Это был воплощенный ужас, сотканный из стонов и латинской фразы: «Libera te tutemet ex inferis» — «Спаси себя от ада».
На борт загадочного корабля отправилась спасательная команда во главе с капитаном Миллером. Их сопровождал гениальный и очень известный инженер, создатель судна и двигателя в виде чёрной дыры, доктор Уир. Он раскрыл им секрет «Эвента Горизонт» — это был первый корабль, оснащенный гравитационным двигателем, который не летел к звездам, а буквально складывал пространство, открывая портал в другую точку Вселенной. Как выяснилось, он открыл портал не совсем туда, куда планировалось.
Внутри корабль напоминал сатурналии смерти: следы жестокой резни, но ни единого выжившего. Фильм даже начинается с того, что команда натыкается на вырванный с мясом человеческий зуб. Вскоре «горизонт событий» начал расширяться, поглощая саму реальность. Корабль оказался не просто машиной, а живым, дышащим злом существом. Он проникал в сознание каждого члена экипажа, являясь им в виде их самых глубоких страхов и сожалений — погибших товарищей, больных детей, умерших возлюбленных.
Расследование показало просто чудовищную правду: гравитационный двигатель не просто перенес корабль через пространство. Он пробил брешь в иную реальность, непостижимое измерение — мир чистого хаоса и мучений, который можно описать только одним словом — Ад. И оттуда корабль привез «пассажира». Демоническое присутствие разлагало разум первоначального экипажа, заставив их вырвать себе глаза и убить друг друга, а теперь принялось за спасателей.
Уир было сломлен и соблазнён видением покойной жены, перешел на сторону кошмара, уничтожил спасательный корабль и начал обратный отсчет до возвращения в инфернальное измерение. В финальной, отчаянной битве за выживание, капитан Миллер принес себя в жертву, взорвав корабль пополам, чтобы его люди могли уцелеть.
Спустя 72 дня в стазисных капсулах их нашел спасательный корабль. Но финал не принес покоя. Когда двери шлюза закрылись, в глазах выжившей лейтенанта Старк все еще горел ужас — кошмар «Эвента Горизонт», побывавшего по ту сторону реальности, навсегда остался с ними, оставив зловещий вопрос: а что, если Ад — это просто другая координата в космосе?
Часть третья. Философо-религиозные отсылки
Фильм очень активно наполнен философско-религиозным контекстом, который не всегда бросается в глаза. Начнём мы непосредственно с корабля. «Event Horizon» вполне можно было занести в список действующих лиц. Этот корабль изначально нам показан не просто как машина, а как живое и страдающее существо, внутри которого оказались живые люди, и не очень живые люди, и мёртвые, и не очень мёртвые, и не совсем люди.
Спасательный корабль Льюис и Кларк
Режиссёр создаёт просто восхитительную картинку, активно используются неоготические структуры, лабиринты, узкие и многоплановые туннели. Корабль создаёт ощущение чрева древнего левиафана, которым, фактически, и является. И тут критически важно не просто общее ощущение, а сравнение с технически грамотно построенным научно-фантастическим кораблём из начала фильма, на котором прилетела спасательная команда. Они создают контраст. Корабль спасателей — образец научной фантастики, всё грамотно, продумано, максимально рационально, с использованием передовых достижений технологии тех лет, когда снимался фильм. Для нас создают «привычный» космический корабль из относительно близкого будущего, в который очень легко поверить, который легко прочувствовать.
А вот «Event Horizon» — он другой. Огромнейший летающий крест, космический меч крестоносцев, монументальный и величественный, вызывающий трепет. Он максимально далёк от обычного, привычного образа космического корабля. Он похож на древний готический собор в космосе, недаром именно это сравнение появляется чуть ли не чаще, чем любое другое. Например, художник Кристиан Уорд, автор дополнительной серии комиксов по миру «Сквозь горизонт», так вспоминал о своём просмотре фильма: «Это было не похоже ни на что, что я когда-либо видел... По тону это было почти средневековье. Это было похоже на храм ужаса в космосе». Он был впечатлён настолько, что решил создать своё авторское видение этой истории спустя два десятилетия, получив одобрение от Филипа Эйснера, первого сценариста фильма.
В целом, посыл готического собора многократно появляется и в самом фильме. Форма окон, отдельных помещений и даже расположение кровавых сцен — во всём этом угадывается религиозная христианская символика. Эти аллюзии настолько мощны, что иногда создаётся ощущение, что действие фильма происходит не в космосе, а на земле, в условиях какой-то религиозной катастрофы.
Далее, по ходу развития сюжета и «прорыва ада» (как мы будем называть дальнейшую психоделику) в нашу реальность, корабль начинает играть всё более сложными красками. Такое ощущение, что он работает как «поле Геллера наоборот», т.е. сам корабль вытащил за собой часть ада из гиперпространства в реальность; в его коридорах чудовищное искажение чуждого для материального мира пространства может влиять на живых людей и не только.
Сделаем небольшое отступление: что вообще такое космический корабль в научной фантастике? Это островок прогресса, спокойствия и безопасности в космосе, а космос — место, в котором человек никак не может существовать. В космических ужасах ситуация не меняется, корабль — это всё также единственный фрагмент безопасности, внутри которого происходит какая-то беда, ЧП, ставящее команду в двойную опасность — внешняя угроза космоса и угроза ЧП создают более острую опасность. В «Сквозь горизонт» нарушается это, так сказать, незыблемое правило. Корабль не является островком безопасности. Он и есть олицетворение опасности. Люди в данном случае словно мыши, которые ищут спасения и отдыха во рту голодного кота, который с удовольствием их скушает, когда наиграется. При этом, формально, выжить в корабле можно. У нас даже есть пример — Иона, который прошёл через чрево кита. Это не первая и далеко не последняя читаемая отсылка на известные религиозные события.
А теперь давайте пройдём, собственно, в ад.
Ад, Сандро Ботичелли
И тут нам очень нужен уважаемый товарищ Данте Алигьери и не менее товарищеский товарищ Сандро Боттичелли, автор прекраснейшей картины «Инферно», визуализирующей и Ад, и ад Данте. Эта перевёрнутая «Вавилонская башня» очень напоминает воронку, которая постоянно появляется в фильме и символизирующая переход в другую реальность.
Особенно в этом ключе удался коридор, который ведёт в самое сердце корабля, в святая святых, его супернаучный двигатель. Сама дорога через череду вращающихся металлических колец, похожих на пасть мифического левиафана или, при определённом ракурсе, на тот самый рисунок многослойного ада. Авторы вполне намеренно добивались такого эффекта. Коридор создавали масштабным, он вращался в самом прямом смысле слова; это была большая перфорированная труба с небольшой центральной узкой дорожкой, где и было место съёмок. Из-за невозможности хоть как-то закрепить свет, внешний свет был многократно усилен, снаружи было поставлено около 80 мощных прожекторов, которые светили через отверстия в стенах вращающегося туннеля. Эффект был настолько мощный, что все, кто входили в эту трубу, чувствовали серьёзное головокружение, и работали актёры на морально-волевых качествах, что заметно в фильме.
Экзистенциальный эффект «входа в жерло ада» венчала изюминка — двигатель в воде, неземной, словно Коцит у Данте, где Люцифер вечно грызёт предателей. Крайне символично, что именно там, в этом месте, пройдёт множество ключевых сцен фильма, там будет мучаться от боли предательства один из героев фильма.
Вращающийся гироскоп в центре, главная часть огромной и пустой камеры, в которой протекали основные действия, был прекрасно сработан; это было идеальное слияние религиозной и фантастической идеи центра, огромной движущей силы, концентрации возможного безумия. Сам Андерсон говорил: «Мы хотели, чтобы он выглядел настолько зловеще, что вам не захотелось бы находиться с ним в одной комнате. Я также хотел, чтобы он постоянно двигался, чтобы придать ему интеллект и создать ощущение пульсирующего мозга». И этот религиозный ужас удался на славу. Достаточно простая декорация запоминалась любому человеку, который смотрел этот фильм.
Двигатель корабля
В целом, идея «Ада» совершенно очевидна и проходит красной нитью через весь сюжет. Никакой «инопланетчины» в произведении просто нет, совершенно привычный, логичный и простой земной ад, только в научно-фантастической интерпретации. Самый яркий показатель этого, с моей точки зрения, — это видения экипажа.
Вот тут у нас просыпается классический религиозный хоррор, когда все глюки — жёстко персонифицированы и сводятся к потаённым грехам и наказаниям за эти грехи.
Наш главный герой, доктор Уильям Уир, которого корабль сводит с ума, показывая видения его покойной жены, которая покончила с собой. Уир полностью подпадает под влияние «Сквозь горизонта» и становится его проводником. Он пытается помочь кораблю совершить прыжок в адское измерение, принеся в жертву остальных. Он стал демоном, был сломлен своими грехами.
Доктор Уир в «Жерле Ада»
В целом, во всех версиях фильма было много сцен ослеплений и изъятий глаз. Это очень важный посыл в кино.
Его самоослепление, которое показано в фильме, — это один из классических примеров «лишения души» в религиозных верованиях и суевериях. Ведь через ослепление часто показывали не физическую, а именно духовную слепоту, отсутствие самой возможности увидеть свет божий. Так что ослепление Уильяма максимально логично и понятно, это естественное действие нового князя тьмы в местном филиале Ада. Ведь Люцифер должен питаться предателями, самыми ужасными преступниками в Аду Данте, а Уир — именно предатель. Он предал не только команду корабля, но и всё человечество в целом.
В радикальном противовес доктору Уиру, который, будучи творцом «Горизонта событий», поддаётся искушению и эгоистичному желанию слиться с потусторонним знанием, действия капитана Миллера выстраиваются в последовательную и героическую арку самоотречения. Этот славный нигер на протяжении всего кризиса ведёт себя как истинный рыцарь в космическом вакууме, практически христианский святой, ответственный и жертвенный. С самого начала он является столпом рациональности и заботы о своём экипаже, принимая тяжёлые, но необходимые решения под давлением непостижимого ужаса.
Обратите особое внимание на то, как сложены руки капитана Миллера
Конечно, такой человек просто не мог не совершить финальный акт — осознанное уничтожение гравитационного двигателя ценой собственной жизни. Это классическая христологическая жертва. Подобно архетипическому спасителю, он добровольно принимает на себя страдания и смерть, чтобы избавить своих людей от неминуемой гибели и, в более широком смысле, «спасти их от ада» («Libera te tutemet ex inferis», помните, да?). Он в одиночку вступает в символическую битву с инфернальным воплощением Уира у самого сердца корабля-чудовища, выступая в роли воина-искупителя.
Подобная экзистенциальная апологетика невероятно хороша, это мощнейший посыл, построенный на классической проблеме добра и зла, человеческого выбора. Миллер построен как фигура диаметрально противоположная Уиру. Ведь доктор, создатель корабля, ослеплённый гордыней, противостоит человеку, который жертвует собой ради спасения других. Эта жертва возводит его в ранг мученика научно-фантастического эпоса.
Проблема описанной выше прекрасности лишь в том, что ЭТО — последнее, что искали все люди, которые пришли смотреть фильм в кинотеатры. Трейлер — полностью о другом, маркетинг — полностью о другом, все имеющиеся обзоры — тоже не касаются данной тематики. Никто в 1997 году не искал в этом прекрасном фильме сложные материи, религиозные отсылки, многочисленные отступления к вопросам веры, ужаса и греха. Фильм, в некотором роде, просто не смотрели. Его не смотрели те люди, которые должны были увидеть всю красоту перечисленных сцен, да и на монтаже фильму очень сильно досталось. Мы, все, кто смотрели кино в записи, смотрим уже максимально восстановленную версию, куда вставили назад все вырезанные сцены, которые могли. Нам фильм становится понятнее, а обычному американскому зрителю конца 1990-х годов в кинотеатре смотреть его было откровенно скучно. Провал корпорации очевиден и безальтернативен, к счастью, она исправилась позже, продавая этот фильм на DVD.
Теперь пришло самое время перейти к третьему фактору, который безапелляционно «приговорил» фильм.
Часть четвёртая, внежанровость
Как вы могли понять из философско-религиозного блока, данное произведение явно плохо укладывается в привычный стиль кинематографа тех лет. Зритель любил простые, понятные фильмы, где есть герой, есть злодей и между ними идёт война. А тут... Авторы фильма, конечно, прекрасны, они решились на серьёзный эксперимент, но вот проблема в том, что эксперимент этот оказался провальным.
Начался он с того, что научная фантастика... оказалась без науки.
На первый взгляд, «Сквозь горизонт» обладает всеми атрибутами классической научной фантастики: звездолёт очень красив, рационален, происходящие в нём действия имеют достаточно вменяемую научную аргументацию, действия системны. Однако вся научность в фильме полностью иллюзорна, это декорация для истории о сверхъестественном. Фильм не просто допускает одну фантастическую условность (например, варп-двигатель в «Звёздном пути»), он системно подменяет научную парадигму религиозно-мистической.
Просто красивый заглавный корабль
Ключевой пример — технология гравитационного двигателя, созданного доктором Уиром. В научной фантастике подобные устройства обычно объясняются сложными, пусть и вымышленными, теориями. Здесь же принцип работы двигателя не просто загадочен — он буквально сатанинский. Уир создал не машину для преодоления пространства, а портал, врата. Его знаменитая фраза: «Я создал нечто, что способно преодолевать любые расстояния, пробивая пространство, как игла ткань... Она ушла туда... и вернулась оттуда», — это не отчёт инженера, это мифическое послание фанатика и не более.
Само «измерение», в которое попадает корабль, — это не альтернативная вселенная с иными физическими законами, как в более строгой научной фантастике. Это метафизический, теологический Ад. Он не подчиняется законам причинно-следственных связей, а управляется принципом морального зла. В фантастике, пусть даже в самой мягкой, у этого должно быть объяснение, а тут оно просто не нужно. «Сквозь горизонт» использует оболочку научной фантастики, чтобы рассказать историю об одержимом демоном месте, где роль про́клятого замка или собора исполняет звездолёт.
Если научная фантастика в фильме лишена науки, то хоррор в нём лишён монстра в его традиционном понимании. Конечно, нельзя сказать, что монстров не было вообще. Монстры были, правда, часть их вырезали при редакции, чем ещё больше фильм изуродовали, но зло в фильме было достаточно обезличенное. В этом же году вышел «Куб», который тоже использовал очень похожую атмосферу и обезличенное зло, но фильмы были совершенно из разных категорий. «Куб» чётко подавался как триллер и ужастик и получил именно ту аудиторию, на которую был рассчитан. Его смертоносные ловушки прекрасно сработали, а вот пугающий ужас «Сквозь горизонт» не мог обеспечить нужный уровень страха.
Повторюсь, страшных моментов в фильме было много, однако, помните, что мы с вами смотрели уже версию с максимально восстановленным количеством жести. А вот зрители в кинотеатрах видели минимум.
Важно подчеркнуть — фильм-то страшный, особенно для тех лет. Очень страшный. Аудитория, которая пришла на него, боялась до чёртиков; по тестовым показам уменьшили и кровь, и жестокость, пытались спрятать шикарные сцены и наиболее отвратительные моменты. Каждый фильм ужасов должен пугать свою аудиторию, а «Сквозь горизонт» пугал чужую, и пугал неправильно.
Медленное и экзистенциальное зло, про которое я подробно рассказывал в предыдущей главе, получилось на диво жутким, но не соответствовало достаточно простому пониманию жанра «ужасов» тех лет. В эпоху расцвета слэшеров этот тонкий, интеллектуальный ужас не мог захватить ту целевую аудиторию, которую привлекал трейлер. И самая большая проблема — фильм ужасов должен тебя пугать. А этот фильм не был фильмом ужасов; пугают тут не тебя, пугают тут персонажей, а ты смотришь на это и погружаешься в их историю и их ситуацию. Это совершенно иной уровень воздействия, он глобально отличается от того, чего ждал «рядовой» зритель.
Ну и я снова не могу не уделить внимания финалу фильма. Тут должен быть катарсис. Неважно какой — победа, поражение — это вторично, но финал должен быть внятным и завершать историю. И вот тут режиссёр всех обманывает снова.
Экипаж спасательного корабля «Льюис энд Кларк» не побеждает зло. Его тупо нельзя победить. Ему нельзя даже в самом классическом смысле проиграть, потому что это ад, а не просто какое-то мощное существо. Сам финал фильма намекает на то, что зло, даже отправленное при помощи самоотверженных действий людей «домой», не побеждено. И, возможно, члены спасательной экспедиции уже знают, что их реально ждёт после смерти. Такой безнадёжный, экзистенциально мрачный финал был шоком для аудитории, которая чётко знает: герои — победят. И эта обида хорошо просматривается в критике фильма в первый год после его выхода.
«Сквозь горизонт» оказался в идеологическом вакууме. Он сумел разочаровать все категории зрителей, которые пришли на него смотреть, он попал в ту нишу, которой просто не существовало у массового кинематографического зрителя. А зрители кинотеатров, особенно в США, — это отдельное сообщество, которое жило по своим законам. Фильм попытался открыть новую, крайне узкую нишу — «космического фильма ужасов о сверхъестественном». У него получилось, но лишь когда он вышел на действительно массового индивидуального зрителя.
Часть пятая. Конкуренты
1997 год для жанров научной фантастики и фантастики с примесью ужасов был очень мощным.
Началось всё с «Людей в чёрном». Такая себе фантастика, конечно, но антураж в произведении есть. И это фильм-бомба 1997 года. Всем известная комедия о секретной организации на Земле собрала по миру 589 миллионов долларов при бюджете менее чем в 100 миллионов. Этот фильм был удачным во всех возможных сферах и стал крайне бодрым комедийным боевиком в атмосфере лёгкой фантастики.
Продолжил эту линию более фантастический «Пятый элемент». Тоже бодрый боевик, тоже с явно выраженным комедийным блоком, но с большим количеством космических эффектов. Фильм тоже имел весьма серьёзный коммерческий успех – 263 миллиона сборов это совсем немало. Однако картина была весьма спорно принята критиками; чуть позже она станет по-настоящему культовой, а пока – просто «резала кассу» всему остальному жанру.
Но пора нам несколько сменить жанр. Останемся с боевиками, но комедию заменим на сатиру. И на сцену выходит первый коммерческий провал – это фильм «Звёздный десант». Фильм, как и «Сквозь горизонт», сочетал в себе жанры: преобладал боевик, но хватало и ужасов, и социальной подоплёки. На выходе критики его «не поняли» и громили в хвост и в гриву. В чём его только не обвиняли – в пропаганде нацизма, в глупости содержания, в низком качестве сюжетной и идейной составляющей. Фильм стал культовым сильно позже, в том числе и из-за критиков, которые полностью изменили свою позицию. Самое главное – эта картина не обманывала своих зрителей, она изначально заявляла о себе как о боевике с космическими жуками – таким он и оказался.
О войне с «жуками» вышла и четвёртая часть «Чужого». «Чужой: Воскрешение» лично я не могу назвать хорошим фильмом. Попытка доить франшизу, тем не менее, удалась – 161 миллион долларов сборов легко занесли фильм в категорию высокодоходных. В этой части авторы тоже решились на смешение жанров. Картина ушла от классического хоррора первых частей, добавив щепотку социального хоррора и достаточно циничных действий властей. В целом фильм нашёл своего зрителя, но, всё же, благодаря франшизе.
Давайте взглянем на более «чистые» жанры – тут конкуренции тоже хватало. В жанре чистых ужасов в научно-фантастической оболочке вышел первый «Куб». Хоть фильм и выстрелил уже в 1998 году, его тоже стоит учитывать. Картина собрала всего 10 миллионов, но и бюджет у него был менее 500 тысяч. И вот тут как раз успех режиссёрский и успех маркетинга был очевиден. Фильм был преподнесён именно той аудитории, которая хотела его увидеть. Эта картина стала действительно серьёзным конкурентом «Горизонта», хоть между ними нет толком ничего общего; они продолжали конкуренцию на DVD весьма активно.
Для тех, кто хотел посмотреть интеллектуальное кино в жёстких рамках, была выпущена «Гаттака» – антиутопия о будущем, где общество разделено по генетическому принципу. Прекрасный фильм, очень хорошо встреченный критиками, но полностью провалившийся в прокате, едва собрав 12 миллионов при бюджете в 36. Сложный сюжет и философская глубина просто не дали ему реально «зайти» зрителю, особенно с учётом настолько мощных конкурентов. Со временем «Гаттака» стала считаться одной из лучших и самых недооценённых научно-фантастических картин 1990-х.
И, конечно, нельзя не вспомнить про «Контакт». Классическая научно-фантастическая драма Роберта Земекиса по роману Карла Сагана. Фильм про женщину-учёного, которая получает сигнал от внеземной цивилизации, и о столкновении науки, веры и политики. Ужасов тут нет, это классика сай-фая, но коммерчески весьма успешная. 171 миллион долларов сборов при бюджете в 90 миллионов – это очень хороший показатель. Картина собрала немало профильных премий и заняла свою нишу очень хорошо.
Как видите, год был не просто наполненный, а переполненный хорошими, качественными фильмами на любой вкус, цвет и запах. Но был ещё один фильм, который принёс больше зла, чем любой другой.
Это его величество «Титаник». Парамаунт не успевали выпустить свой шедевр в летнее окно и давили на создателя «Горизонта» изо всех сил, заставляя резать фильм и выпускать его в нужное именно им время. Судьба картины их интересовала меньше всего; их даже не так сильно интересовали возможные кассовые сборы нового фильма, как потребность выпустить нечто большое и кассовое на экраны, чтобы не пропустить другие кинокомпании. «Титаник» готовился порвать всё, что только можно, но начал он с прекрасного фильма, из которого убрали полчаса жести, сюжета и того, что могло сделать культовый «Сквозь горизонт» ещё более культовым и качественным.
Заключение
«Сквозь горизонт» стал жертвой собственной уникальности и условий эпохи. Его кинопрокатная судьба была предопределена роковым стечением обстоятельств, когда художественный замысел столкнулся с неготовностью индустрии и аудитории. Картина опередила своё время, предлагая сложный синтез философии и хоррора в оболочке научной фантастики, что оказалось непонятно маркетологам и непривычно для массового зрителя.
Фильм не вписывался в жанровые рамки, необходимые для чёткого позиционирования, а его глубина и мрачный финал шли вразрез с ожиданиями публики, воспитанной на более прямолинейных блокбастерах. В условиях жёсткой конкуренции с проектами, чьи посылы были ясны и просты, он закономерно потерялся.
Однако именно эти «недостатки» впоследствии и обеспечили ему культовый статус. Подлинная ценность произведения может быть переосмыслена вне рамок сиюминутного коммерческого успеха. Провал в кинотеатрах стал закономерной платой за новаторство, которое со временем нашло своего благодарного зрителя.
Автор текста: Кирилл Латышев. Написано при поддержке Timeweb Cloud и CatGeek для читателей Pikabu.
Одним из любимых фильмов моего детства был «Кто подставил кролика Роджера?» Возможно, именно он привил мне любовь к нуару, ведь, несмотря на пародийность, в детстве многое воспринималось буквально.
Я даже не помню, когда посмотрел его впервые. К тому моменту, как я начал осознавать и запоминать действительность, отец говорил мне, что я уже обожаю этот фильм. Я не сомневался в правдивости этих слов.
История типична для классического нуара: детектива, который после смерти брата топит депрессию на дне бутылки, нанимают для слежки за мультяшным персонажем. Мультяшки тут вполне себе настоящие, живые, сознательные, и обитают в своём собственном городе – Мульттауне. А мультфильмы, соответственно, не рисуются, а снимаются, как и любое другое игровое кино.
Кролика Роджера в последнее время преследуют неудачи, он словно сам не своё на съёмочной площадке. Поэтому владелец студии Maroon Cartoons нанимает детектива Эдди Валентайна, чтобы тот проследил за женой кролика, ведь ходят слухи, что та ему изменяет.
Жена кролика – это, наверное, первая романтическая привязанность моей жизни. Роскошная рыжеволосая бестия, классическая роковая женщина, которую хочется подозревать во всех грехах сразу. Но, говоря об измене, следует напомнить, что кино-то детское – поэтому за закрытыми дверями Джессика… играет в ладушки со своим поклонником.
У взрослого человека при просмотре невольно складывается впечатление, что авторы пытаются объяснить ребёнку то, что он может понять преждевременно. Что там делают родители за закрытыми дверями? Что это я слышал, когда проснулся прошлой ночью? А, так это они в ладушки играли. То же самое касается и сцены «со спущенными штанами». И при этом все помнят фразу Джессики:
- Я не ветреная, меня такой нарисовали.
Впечатляют, однако, не только рисованные персонажи. Судья Рок, сыгранный Кристофером Ллойдом, до сих пор остаётся в топе самых жутких киношных злодеев. Мурашки пробегали по коже от сцены, где он топит мультяшку в бочке с сиропом, а потом поворачивается к Эдди с перчаткой, залитой красной краской. Умом всё понимаешь, но всё равно остаётся впечатление, что при тебе только что медленно расплавили ребёнка в кислоте, и убийца при этом наслаждался каждым моментом.
Юмор, в котором много чисто детского кривляния, в то же время даёт возможность посмеяться и взрослым над завуалированными шутками – будь то «ладушки» или высмеивание киношных клише. Это делает «Кролика Роджера» полноценным семейным фильмом, который приятно смотреть всем – и в первый, и в десятый раз тоже. Есть, однако, и действительно неплохие шутки:
- Значит, ты в любой момент мог сбросить с лапы браслет?!
- Нет, вовсе не в любой! Эффект был бы не тот.
«Кто подставил кролика Роджера» стал не первым фильмом, в котором живые актёры объединены с анимацией, можно вспомнить хотя бы «Мэри Поппинс» 1964-го года. И всё же подобные приёмы использовались слишком редко, чтобы стать чем-то привычным – раз в десятилетие, а то и в два. Да и масштабы ранее использовавшихся приёмов несопоставимы с размахом «Кролика Роджера».
Ну и количество отсылок, конечно, заставляет «Дэдпула и Росомаху» нервно курить в сторонке. Тут тебе и Дамбо, и дятел Вуди, и Микки Маус, и Гуфи, и Багз Банни, и ещё куча других персонажей разных мультипликационных студий. Это как если бы сейчас в один фильм поместить Бэтмена и Железного человека, а ещё майора Грома, судью Дредда и Акиру. Судя по тому, как поклонники радуются кроссоверам сейчас, какие сборы имели тот же «Дэдпул» и «Человек-паук: Нет пути домой», нетрудно догадаться, как взрывал мозг фильм про кролика Роджера ребёнку.
Но самое забавное, что при всей пародийности, при всей детскости фильм показывает избитые тропы куда как более убедительно, чем это делают многие фильмы жанров «нуар» и «крутой детектив». Эдди Валиант неплохо прописан и имеет внятную мотивацию, его арка убедительно прописана, да и другие персонажи не сильно хуже. За интригующей, детективной историей с убийством и заговором стоят вполне себе недетские идеи: утрата веры в будущее, страх перемен, взросление, депрессия, ксенофобия. Эта лёгкая комедия поднимает важные вопросы ненавязчиво, не поучая.
В общем, Роберт Земекис создал настоящий шедевр. Не зря в 2016 году фильм был включён в Национальный реестр фильмов США, имеющих культурное, историческое или эстетическое значение. Фильм получил три статуэтки «Оскар»: за монтаж, звуковой монтаж и визуальные эффекты. Отхватил «Кролик» и «Сатурны», и BAFTA, и «Хьюго» - но в основном, конечно, за визуал. Зрители восприняли картину ещё более восторженно, чем критики, и занесли в кассу более 350 миллионов долларов – что для 1988 года очень даже немало. Но и бюджет у фильма был по тем временам нескромный – 80 миллионов. Фильм стал по-настоящему культовым, и не только для киноделов, но и для простых зрителей по всему миру.
Видишь ли, мой друг, в этом мире есть два типа людей: те, у кого заряжена пушка, и те, кто копает.
Трудно сказать, какой из фильмов «Долларовой трилогии» является лучшим. Я нежно люблю «За пригоршню долларов», и мне глубоко всё равно, что это ремейк «Телохранителя» Акиры Куросавы. Меня приводит в восхищение темп, лаконичность и эмоции «На пригоршню долларов больше», однако трудно отрицать, что «Хороший, плохой, злой» стал самым культовым фильмом Леоне.
Да-да, не только самым впечатляющим из «Долларовой трилогии», но и лучшим из всей фильмографии Леоне, которая включает, напомню, всего-навсего шесть фильмов. «Хороший, плохой, злой» может отпугнуть современного зрителя медленно раскачивающейся первой половиной фильма – а полная версия длится три часа – однако во второй половине события ускоряются, эмоции накаляются добела, а каждая из сцен врезается в память навсегда.
Это история трёх проходимцев – Туко, Сентенца и Блондина. Ни одного из них нельзя назвать героем, но совокупность личностных качеств склоняет симпатии зрителя к харизматичному Туко и Блондину, у которых ещё проявляются время от времени признаки совести и благородства. Сентенца же готов на любую низость, чтобы добраться до поставленной цели.
Этой целью выступает золото, о котором Блондин (Клинт Иствуд) и Туко (Илай Уоллак) узнают ближе к середине фильма. Совершенно случайно измученный Блондин оказывается рядом с умирающим солдатом, который и рассказывает ему о кладе, закопанном на кладбище под видом могилы. Туко, который собирался убить Блондина в отместку за предательство последнего, меняет свои планы, ведь лишь от героя Иствуда зависит успех поиска сокровищ.
Поиск клада разворачивается на фоне Гражданской войны в 1862 году. Антигероям доведётся посмотреть на разные стороны конфликта, пройти по трупным следам армий и, в конце концов, сразиться за искомое. И если первая половина фильма содержит в основном экспозицию, неспешно раскрывает героев и погружает зрителя в эпоху, то ближе к финалу перестрелка следует за перестрелкой, масштабные побоища и взрывы соседствуют с напряжёнными дуэлями, а характер персонажей проявляется на всю катушку. Чего стоит хотя бы сцена перестрелки в городе, по которому бьёт артиллерия.
Накалу эмоций способствует великолепная музыка Эннио Морриконе. Без преувеличения великолепная, до сих пор переслушиваю ставшие классическими композиции, моя любимая – The Ecstasy Of Gold. Пробирает до мурашек что сама по себе, что вкупе со сценой, где Туко прибегает на кладбище. В 2011 году вышла Remastered версия саундтрека фильма, так что звучание у классических треков теперь чистое и современное.
Серджио Леоне бьёт зрителя одной композицией за другой: сразу за The Ecstasy Of Gold идут The Trio (сцена с мексиканским тупиком) и The Good, The Bad And The Ugly, главная композиция фильма. Если не смотрели этот фильм и с музыкой не знакомы, вбейте в поисковике, в ВК или где угодно «ковбойская дуэль музыка», и в числе первых он выдаст композицию The Good, The Bad And The Ugly.
Картинка выше всех похвал, сейчас за такое режиссёра и оператора засыпали бы «Оскарами» и другими наградами по самые макушки. Увы, в своём 1966 году (59 лет назад!) фильм значительных наград не сыскал. Позор тем критикам, которые обделили этот шедевр вниманием в своё время. Уже после смерти Леоне его даже награждали, но какой в этом смысл? Простой зритель давно уже возвёл фильм в ранг культового и во мнении критиков не нуждался.
Достоверность фильма, конечно, под большим вопросом. Леоне перед работой над фильмом закопался в архивы, но в целом это фильму не сильно помогло. Вспоминается Стивен Кинг, который в предисловии к одной из книг «Тёмной Башни» писал, что Америка из фильмов Леоне представлялась ему какой-то фэнтезийной страной. Да, Леоне снимал спагетти-вестерны, которые отдавала характерной «клюквой», но это, внезапно, фильм не портит. Напротив, ему придаёт особый шарм всё происходящее, хотя отдельные сцены выглядят и несколько сюрреалистично.
Однако тот факт, что спустя почти шестьдесят лет фильм смотрится настолько легко, что он ни капли не устарел, что его визуальные и иные достоинства лишь стали более заметны, говорит о мастерстве Леоне и его команды. Неважно, поклонник вы вестернов или нет, «Хороший, плохой, злой» стоит посмотреть каждому. Это не просто шедевр спагетти-вестернов и вестернов вообще, это самая настоящая классика.
Комедия «Молчи в тряпочку» (Keeping Mum) 2005 года – хороший тому пример
В начале беременную девушку Розмари снимают с поезда из-за того, что из её чемодана течёт кровь. При досмотре там находят расчленённые трупы мужа Розмари и его любовницы. Розмари не отрицает, что она убила обоих, при этом говорит об этом как о чём-то само собой разумеющемся. Девушку отправляют на лечение в психиатрическую больницу, т.к. она явно не в себе, а события фильма переносятся на сорок три года вперёд.
В семье викария Уолтера Гудфеллоу всё не очень хорошо. Жена завела роман с инструктором по гольфу, несовершеннолетняя дочь каждый день приводит домой новых парней, над сыном издеваются в школе, а сам Уолтер не очень-то уважаем сообществом, ведь люди терпеть не могут его скучные проповеди.
Всё меняется, когда в их дом прибывает новая домработница, бодрая и дружелюбная старушка – та самая Розмари, которую наконец-то выпустили из сумасшедшего дома. Она сразу видит все проблемы и начинает их решать… в своём духе. Как ни странно, жизнь семейства действительно быстро налаживается, разве что появляется риск попасть за решётку, причём теперь уже не одной Розмари.
Главным героем тут выступает не Розмари и даже не Уолтер, а его жена, Глория Гудфеллоу, которая быстрее всех начинает понимать, что происходит. Сыграла её Кристин Скотт Томас («Четыре свадьбы и одни похороны», «Золотой компас», «Ещё одна из рода Болейн», «Только Бог простит», «Tomb Raider: Лара Крофт» и т.д.),остальные актёры тоже более чем известны: Роуэн Аткинсон («Мистер Бин»), Мэгги Смит (профессор Макгонагалл из «Гарри Поттера») и Патрик Суэйзи («Грязные танцы», «Привидение»). Любо-дорого смотреть на отличных актёров, которые играют в добротной чёрной комедии в антураже классического британского городка.
Доброго тебе дня/вечера/ночи. Современные экшен-фильмы из кожи вон лезут, чтобы быть стилёвыми и умными, и всячески пытаются переизобрести жанр в том или ином аспекте. Но знаете, что плохо? А то, что из них довольно малое число старается развлечь зрителя, выдав на экране форменное безумие. К счастью, ещё не все киноделы потеряли чувство юмора и крутости, благодаря чему у нас есть такой фильм, как «Пацан против всех» от режиссёра-дебютанта Морица Мора. Хотя фильм недавно похвалил мой дорогой брат-гигачад @MorGott, считаю важным разобрать картину поподробнее.
Сюжет у нас во многом неожиданно копирует завязку Far Cry 6. В некоем изолированном от мира городе правит железной рукой Хильда Ван Дер Кой и её семейство. Они насилием и пропагандой управляют населением, карая неугодных и недовольных режимом. Одним из таких и является наш главный герой, лишившийся в детстве матери и сестры. Все эти годы он тренировался, готовясь отомстить. Что ж, настал его звёздный час.
Я не перестаю удивляться тому, как много общего у «Пацана против всех» и шутеров в открытом мире от французской студии Ubisoft. Сами посудите: немногословный герой с прописанным багажом — чек, команда харизматичных антагонистов — чек, борьба с тиранией — чек, фан и наркомания — тоже чек. Да и сюжет в принципе следует той же схеме по постепенному развалу правящей верхушки, только, к счастью, без побочных активностей.
Единственный пункт, по которому нет сходства — фильм не упирает на национальную идентичность места действия. Локации достаточно пространные и не обладают уникальной стилистикой. У нас вроде Азия, о чём говорят джунгли и некоторая часть местного населения, но при этом белых людей тоже довольно много, а всякие телестудии и бункеры довольно безликие и серые. Что обидно, ибо какой-нибудь индонезийский или вьетнамский колорит могли бы добавить красок происходящему.
С концептуальной точки зрения сюжет продуманнее, чем обычно ждёшь от фильмов подобного плана. Сценаристы изначально избрали несколько необычных идей, которые плавно развивали на ходу. Например, наш главный герой нем как рыба, а потому голос в его голове, озвучивающий зрителю мысли, это буквально бас анонсера из игровых автоматов, запомнившийся Парню с детства.
Плюсом ко всему у него со слухом проблемы и это неожиданно играет на пользу сюжета. У Парня не всегда получается читать по губам, что порождает крайне комичные ситуации. Во многом они связаны с чернокожим бойцом из местного сопротивления, слова которого у главного героя складываются только в бессмысленную белиберду. И самое смешное тут то, как себе мысленно Парень представляет этот бред сумасшедшего: сценки получаются ещё те.
Или же у нашего главного героя есть последствие посттравматического синдрома в виде его мёртвой маленькой сестры, которая является к нему по поводу и без. Девочка материализуется в самых разных, порой совсем не подходящих для детей, ситуациях, что порождает довольно забавный контраст. Сестра отвлекает Парня от драк, носится посреди боёв в костюме бабочки и не только. Подобное на самом деле неплохо вписывается в происходящее и добавляет градусов окружающему безумию.
И это не всё, что смогли сообразить сценаристы. Я не назову их работу гениальной, однако для динамичного двухчасового боевика, темп которого не падает ни на минуту, они заготовили несколько довольных крепких сюжетных ходов, которые даже не читались заранее. Также отмечу грамотное наращивание эпика по ходу действа. Я полагал, что бодрости и драйва фильму не хватит до самого конца, но нет, экшена с головой, и даже финальный босс-файт не подкачал по накалу и напряжённости.
Если же искать сравнения в сфере кинематографа, то я бы разместил «Пацан против всех» где-то между «Пушками Акимбо» и «Джоном Уиком». С одной стороны перед нами достаточно трешовый и бодрый боевик, комедийная составляющая в котором занимает очень важное место. Шизофрения, отсылки на видеоигры, неполиткорректные шуточки — у нас прямо-таки полный набор.
Одно но — порой юморесок слишком много, и они кажутся не совсем уместными, прям как в комиксах про Дедпула. Например, в сцене смерти одного из положительных персонажей авторы решают использовать в финальный раз одну из долгоиграющих шуток фильма. И может быть, я моралист, но мне кажется, это было не совсем в тему.
С другой же стороны я не могу назвать фильм чистокровным трешаком. Во многом это связано с высоким качеством визуального ряда. На экране творится месиво, льются реки крови, но завернуто всё это в стильную операторскую работу, которая полна интересных планов и переходов. Хореография и постановка боёв далеки от реалистичности, ибо авторы поставили во главу угла красочность и угарность, что определённо было верным решением. Не перестану угорать с побоища на сцене, в которой нашему Парню выдают кастет со встроенным пистолетом! Я не знаю, зачем это и почему, но выглядит безумно весело, на уровне дуэли бензопилами из «Мэнди» с Николасом Кейджем.
По актёрскому ансамблю скажу так — пойдёт. Билл Скарскард без клоунского грима смотрится довольно непривычно, но в качестве нетипичного фриковатого экшен-героя мне он понравился во многом благодаря живой мимике. Его молчаливый герой смотрелся явно бодрее и интереснее, чем Юэль Киннаман в недавней «Слепой ярости» от Джона Ву. Так что грядущего «Ворона» с ним в главной роли я жду с большим интересом.
Фамке Янссен в качестве злой милфы смотрится всё ещё отлично и энергично. Но лучшие её годы, конечно, далеко позади и это заметно: она уже не такая свежая и яркая, как в «Людях Х» или ужастике «Факультет».
Её кино-родня в лице Шарлто Копли, Мишель Докери и Бретта Гельмана тоже вполне себе зашли, получился такой разношёрстный коллектив мразей. Хотя по харизме до злодеев из того же Far Cry 5, окружавших Иосифа Сида, мне кажется далековато.
В общем и целом «Пацан против всех» — отличный способ скрасить вечер изобретательным, кровавым и довольно смешным боевиком, который даже не пытается строить серьёзную мину. Пускай местами шутки идут в никуда, а общее действо слегка ощущается мешаниной, фильму удаётся главное — развлечь зрителя. К тому же отсылки на ретро-видеоигры и поп-культуру наверняка порадуют нашего брата-гика. Так что не стоит обращать внимания на не самые высокие оценки и заценить эту невыдающуюся, но годную пушечку, заряженную драйвом и позитивом.
Пы.Сы. А ещё этот фильм хороший пример того, как загубить сборы отвратительным прокатом. Продюсеры, среди которых есть аж Сэм Рэйми, не смогли организовать одновременный выход фильма в нескольких регионах одновременно. Из-за этого фильм вышел в сентябре в США, у нас только сейчас, и по всему мира такой разброд и шатание. Естественно в таких условиях и маркетинг нормальный не организуешь. В итоге либо про фильм никто не знает, либо не понимает, что это/зачем/для кого снято. Грустно, но успех/провал далеко не всегда зависят от качества продукта.
